MUSICIANS OF THE GLOBE
Lunes 10
“All the king’s men”
Philip Picket, director

-I-
Thomas Morley (c1557 - 1602)
As you like it 1603
It was a lover and his lass

Anónimo
Othello 1604
The poor soul sat sighing

Anónimo
Love’s Labour’s Lost 1605
The French King’s Masque

Anónimo/John Wilson(1595 - 1674)
Measure for Measure 1604
Take, o take those lips away

¿Robert Johnson?
Cymbeline 1609/11/12
Hark, hark the lark

Anónimo [Máscara de Reinas 1609]
Macbeth 1611/12
The Witches’ Dance

Robert Johnson (c 1580 - c1634)
The Tempest 1611
Full fathom five

Robert Johnson
Where the bee sucks

Robert Johnson
[Máscara de Oberon 1611]
The Winter’s Tale 1611/12/13/18/23
The Satyr’s Masque

Anónimo
Lawn as white as driven snow

-II-
Anónimo
Masque of the Middle and Inner Temple 1612/13
The Moors’ Dance

Robert Johnson
Valentinian 1614
Care charming sleep

Robert Johnson/arreglos
Johann Schop (c1590 - 1665)
Masque of the Middle and Inner Temple 1612/13
The Noble Man

Robert Johnson The Duchess of Malfi 1614
O let us howl

Robert Jones (c1577 - 1617)
12th Night 1618/23
Farewell Dear Love

Thomas Morley
O mistresse mine

Robert Johnson
Masque of the Middle and Inner Temple 1612/13
The Baboons’ Dance

Anónimo
Hamlet 1619
How should I your true love know?

John Wilson
The Beggars Bush 1622
Cast your caps and cares away

Philip Picket, director
Joanne Lunn, soprano
Adrian Chandler, violín
Phillip Pickett, flauta dulce
Lynda Sayce, laúd
Elizabeth Pallett, laúd, guitarra
Catherine Finnis, viola bajo

MUSICIANS OF THE GLOBE
En 1993, Phillip Pickett forma The Musicians of the Globe, para difundir el nombre de Shakespeare Globe Theatre a través de conciertos, grabaciones y emisiones de radio.

Decidido a lograr los más altos estándares en la interpretación musical, escoge entre los mejores instrumentalistas ingleses especializados en Música Antigua. Junto con grandes voces solistas desarrolla un repertorio de música Isabelina y Jacobina, inspirado en Shakespeare.

El núcleo del grupo- un conjunto de seis partes formado por violín, flauta dulce, cítara, laúd, bandora y viola bajo- puede ampliarse para interpretar programas del siglo XVII a gran escala. Los músicos colaboran frecuentemente con John Ballanger, director de Fools Paradise y gran comediante malabarista.

Musicians of the globe, son invitados por la BBC Radio 3 para la emisión de tres programas en directo así como a dar un concierto “lunch series” en Purcell Room (199 5 ) y a actuar en los Festivales de Música Antigua de Sevilla, Aldeburgh y South Bank Centre.

En junio 1997, comienzan una serie de conciertos de verano en Globe Theatre en el que los metales, los vientos y los percusionistas del grupo proporcionaron la música para la producción de Henry V de Richard Olivier.

Destacan entre sus proyectos de 1998/9, cuatro producciones escenificadas de Blow (ópera Venus & Adonis en Globe Theatre), Restauration Tempest para el festival de City of London y conciertos en Bélgica, Italia, Sicilia, BBC Proms, London Purcell Room, Queen Elizabeth Hall, Accademia Filarmonica Roma y en el Palau de la Música Catalana.

En las últimas temporadas realizan giras por América del Sur, Hungría, Japón (en dos ocasiones), vuelven a Roma, Barcelona, Sevilla, Brujas, South Bank Centre (Londres) y City of London Festival; actúan en Amberes, Turín, Ravenna, Sienna, Utrecht, York, Sevilla, Chester, Cheltenham, Neuss, Dubrovnik, México, San Luis Potosi, Carinthian Summer y en los festivales de teatro Praga Spring y de Almagro.

The Musicians of the Globe realizan una serie de grabaciones para Phillip Classics de música de teatro inglesa incluyendo Timon de Atenas, Dido y Aeneas, The Fairy Queen, así como música de Henry Rowley Bishop para el festival “early 19th-century Shakespeare revivals” en Covent Garden. Su primer CD en EE.UU en 1997, recibe una nominación para los premios Grammy por su interpretación al mejor ensamble.

febrero 2007

Philip Pickett
Como director musical y fundador de uno de los grupos de mayor renombre mundial -Musicians of the Globe-

Phillip Pickett está considerado actualmente como una eminencia en el área de la Música Antigua.

Siendo estudiante en la Guildhall School of Music obtiene la medalla de Plata Worshipful Company of Musicians, el Premio de la Fundación Maisie Lewis y el Premio Wedgewood. A partir de 197 2 obtiene el cargo de “Profesor de flauta de pico e Interpretación Histórica” en la Guildhall School, y ejerce como Decano del Departamento de Música Antigua durante 25 años. En 198 5 recibe una beca Guildhall.

Pickett planifica una serie de conciertos para City of London Festival (1982) y el Festival de Maastricht (198 3 ), que obtienen tal exito que le llevan a obtener el puesto de Director Artístico de London's Southbank Summerscope Festival of Medieval and Renaissance Music en 1988: 32 conciertos en dos semanas.

En 1993 , empieza una nueva tarea como director artístico de Early Music Series, Purcell Room y se convierte en director de música antigua del Globe Theatre de Shakespeare y en director de la formación musical de Musicians of the Globe.

De 1994 a 1997 Philip Pickett es nombradol director artístico de Aldeburgh Early Music Festival, y en 1996, director artístico del nuevo Festival de Música Antigua South Bank Centre, puesto que mantiene hasta 2 00 3 .

Como solista, Philip Pickett interpreta y realiza grabaciones con grupos de renombre entre los que destacan Academy of St Martin in the Fields, Orquesta de Cámara de Polonia, English Chamber Orchestra, London Mozart Players, City of London Sinfonia, London Chamber Orchestra, London Bach Orchestra e English Concert. Sus grabaciones incluyen todas las sonatas para flauta de pico y las sonatas para trio de Handel además de las sonatas de compositores italianos del los siglos XVII y XVIII y de los conciertos de Vivaldi y Telemann.

Philip Pickett ha comenzado recientemente una brillante carrera como director invitado, dirigiendo orquestas tradicionales, así como compañías de ópera interpretando el repertorio barroco, clásico y romántico. En las últimas temporadas ha estado al frente de Orchestre National des Pays de la Loire, Orchestre Symphonique et Lyrique de Nancy, Orchestre National d'Ile-de-France y Orchestre National de Lille (Francia), así como también de Halle Opera Orchestra (Alemania), Filarmónica de la Ciudad de México y Stavanger Symphony Orchestra (Noruega). En marzo/abril 2 00 4 dirigió la nueva producción del Orfeo de Monteverdi en la Ópera Nacional de Lyon. Entre sus futuros compromisos como director se incluyen las orquestas Aarhus y Aalborg Symphony en Dinamarca y una nueva producción de Nozze di Figaro en la Ópera de Nantes.

febrero 2007

Joanne Lunn estudió en Royal College of Music (Londres) donde le fué concedido el prestigioso premio Tagore Gold Medal. Como solista internacional interpreta y realiza grabaciones con los principales y grandes ensembles tales como Monteverdi Choir, Collegium Vocale, Orchestra of the Age of Enlightenment, Academy of Ancient Music, Frieder Bernius, Hillard Ensemble, King's Consort y Gabrieli Consort.

Joanne hizo su debut ENO en la producción de Steven Pimlott L'Incoronazione di Poppea (Monteverdi) dirigido por Harry Christophers. Recientes compromisos y proyectos incluyen el rol de Euridice en la ópera Orfeo de Graun (Postdam y Bayreuth) y una interpretación semi escenificada de Prima la musica, poi le parole de Salieri con City of London Sinfonia bajo la dirección de Richard Hickox.

Entre sus grabaciones más recientes destacamos Las Misas de Haydn con John Eliot Gardiner, Musica Sacra de Vivaldi con King's Consort y Mass of the Children de John Rutter.

Sus Compromisos y proyectos incluyen una grabacion de Bach Motets y concerts of music de Pärt con Hilliard Ensemble; De Bach, el Oratorio de Navidad con BBC National Orchestra of Wales, el Oratorio de Pascua con Frieder Bemius y por último su rol como Helena en A Midsummer Night's Dream en Venecia con John Eliot Gardiner y dirigido por David Pountney.

Comentarios al programa “All the king's men”
William Shakespeare (1564 -1616), el más grande dramaturgo inglés de todos los tiempos, revolucionó el teatro universal durante una de las más brillan­tes etapas culturales de la Historia de Inglaterra, el final de la era isabelina y el comienzo del barroco. Sin duda, Shakespeare es admirado como un clásico cuyos personajes, auténticos y profundamente humanos, llegaron con fuerza a todo tipo de público en su época y ahora, porque, como los clásicos de todos los tiempos, nunca pasa de moda. Según Harold Bloom, uno de los grandes estudiosos de la vida y la obra del dramaturgo inglés, antes de Shakespeare había arquetipos; después de él habría personajes, hombres y mujeres capaces de cambiar, con personalidades absolutamente individualizadas. El lenguaje, directo y sincero, de estos personajes otorgó al escenario de la época obra ca­racterística definida: su condición de espectáculo popular accesible a todos los públicos.

Muchas de las obras de Shakespeare se estrenaron en un original edificio, un símbolo de su ciudad y del teatro mundial, el conocido como “Teatro del Globo” construido en 1599 a orillas del Támesis. Las representaciones tenían lugar du­rante la época estival ya que parte del teatro era al aire libre y estaban dirigidas a público de todas las procedencias sociales. Fueron habituales en él los espectá­culos ofrecidos por la compañía teatral “Lord Chamberlain's Men”, en la que par­ticipaba en gran William Shakespeare. El edificio fue destruido durante la época puritana de Cronwell y ha sido recientemente reconstruido (en 1997) muy cerca de su ubicación original y respetando las formas de la antigua construcción. El nuevo renacimiento de este original teatro londinense ha despertado la inquietud de algunos músicos como Philip Pickett de rescatar e investigar la música que tenía lugar durante las representaciones teatrales en vida de Shakespeare.

Era habitual que antes y durante las representaciones teatrales hubiera momen­tos musicales, piezas que ayudaban al público y a actores a introducirse en la atmósfera de la obra. Philip Pickett lo explica del siguiente modo: “No puede hablarse de una música específicamente incidental, aunque en determinadas oca­siones la música de las piezas teatrales se limitase al mero sonido de unos timba­les y el estruendo de unas trompetas. En otras, sin embargo, la música señalaba la acción y revelaba el estado de ánimo de los actores. Durante los siglos XVI y XVII proli­feró la música para el teatro, pero no creo que sea adecuado contra­poner estas obras con los grandes compositores de entonces, puesto que tenían otra función y otros fines. Me pa­rece que se trata de una música muy intere­sante, original, más o menos efectista y de la que conocemos diversos documentos”.

En realidad, el teatro isabelino incluía a la música como parte de la acción. Según J. A. Muñoz, la música servía también para que el público no se cansara excesi­vamente al escuchar monólogos o escenas largas; así que, si la representación incluía alguna melodía que sonara familiar todo resultaba más llevadero. Los fragmentos cantados se usaban para crear una atmósfera, manifestar los sentimientos de un personaje, subrayar la ironía de una situación, describir o suscitar estados de ánimo tales como la melancolía o la locura y hacer avanzar la trama. Con frecuen­cia, los propios actores eran también cantantes o instrumentistas. Muchos de ellos tenían una sólida educación musical y se cree que pudieron proceder de antiguos monasterios católicos disueltos por Enrique VIII y su hija Isabel.

Muchas de las melodías que se cantaban en el teatro de Shakespeare eran de origen popular y se interpretaban comúnmente acompañadas del laúd, el instru­mento más extendido durante la Inglaterra isabelina. Según M. I. Martínez, varias de estas canciones se pueden encontrar en los pliegos sueltos que se difundían con el nombre de “broadside ballads” y serían editadas en diversas colecciones a lo largo de los siglos XVII y XVIII. Otras canciones fueron creadas por compositores famosos en la época, que tuvieron una estrecha relación con W. Shakespeare. Destacan las compuestas por Thomas Morley (1557-1602 ), discípulo de Byrd, uno de los principales madrigalistas ingleses de esta época. Morley cultivó durante toda su vida los más variados géneros: música religiosa (tanto católica como an­glicana), madrigales y música para órgano, incluso destacó como impresor-edi­tor. También compuso piezas de carácter más ligero, “canzonets” y “ballets”, que recogen varios aspectos del estilo italiano de finales del renacimiento. Destacan canciones como la animada “O mistresse mine” (para “Noche de Reyes”), o “It was a lover and his lass” (para “Como gustéis”) la cual requiere de cantantes profesionales dadas sus dificultades vocales.

Sin duda, uno de los músicos que colaboró más asiduamente con Shakespeare fue el laudista y compositor Robert Jhonson (1583 -1633). Ian Spink, especialista en música para el teatro del siglo XVII, señala que Jhonson fue alumno y paje al servicio de Sir George Carey, Gran Chambelán y responsable tanto de la Casa Real como de los “Lord Chamberland's Men” (“Los Hombres del Rey”), la mejor com­pañía de teatro de la época, para la cual Shakespeare escribió algunas de sus más famosas obras. Jhonson colaboró especialmente con Shakespeare en obras como “Cimbelino”, “La Tempestad” y “Cuento de Invierno”, para las que compuso bellas canciones en estilo declamatorio. Un bellísimo ejemplo es la canción “Hark, hark! The Lark” de “Cimbelino”; según A. Rooley, constituye una asombrosa evocación del amanecer y del despertar al nuevo día, y sirve bien como metáfora del arte del buen amante.

El más joven de los compositores que colaboraron con Shakespeare fue John Wilson (1595 -1674), también laudista y cantante. Muchas de sus canciones para el teatro londinense fueron publicadas en la colección titulada “Cheerful Ayres or Ballads” (1659-1674). La más conocida de ellas es “Take, o take those lips Hawai”, escrita para “Medida por medida”, de carácter melancólico y en la que el cantante improvisa nuevos adornos melódicos en cada estrofa al estilo de las arias italianas del Barroco temprano.